Vom 8-Bit-Sound zum Orchesterklang
Die frühen Tage der Videospielmusik waren geprägt von technischen Beschränkungen: Bis 1983 bestanden „Soundtracks“ aus wenigen Tönen, die eher Klangeffekte als Musik waren. Dann kamen die ersten 8-Bit-Konsolen auf den Markt. Diese hatten zumindest fünf Soundkanäle, und so konnten Komponistinnen und Komponisten ans Werk gehen. In Arrangement und klanglicher Vielfalt immer noch stark eingeschränkt, fokussierten sie sich vor allem auf eingängige Melodien. Über die letzten Jahrzehnte wurde die Technik jedoch besser und die Budgets wurden größer. Daher können sich große Spielestudios heute immer öfter Orchesteraufnahmen für den Soundtrack leisten. Während sich die Machart weiter verändert, bleibt der Sinn und Zweck der Videospielmusik dabei stets der gleiche: die Intensivierung des Erlebten. Musik verstärkt Emotionen und hilft uns so, die Handlung intensiver zu fühlen und besser zu begreifen. Die folgenden Beispiele zeigen, wie das funktionieren kann.
Overwatch ist schnelle Action für mehrere Spieler. Eine Handlung ist nicht existent, im Vordergrund steht kompetitiver Spaß. Deshalb hat der Soundtrack einen heroisch-fröhlichen Anstrich. Da im Spiel jeder Ort und jeder Charakter ein eigenes Thema besitzt, ist die Bandbreite an Stilen dennoch groß. Mal hören wir harte E-Gitarren, mal eine Mariachi-Band. Bei der Ouvertüre orientierte man sich wohl an den Orchesterstücken der frühen Disney-Klassiker. Weniger fröhlich klingt dagegen der Soundtrack zu Still Wakes the Deep. Hier sind wir mit einer Horde Monstern auf einer Bohrinsel gefangen. Komponist Jason Graves greift musikalisch auf klassische Stilmittel des Horrorgenres zurück. Streicher und Sounddesign wabern und flirren im Hintergrund und erzeugen so das Gefühl einer ständig präsenten Gefahr. Daneben schafft Graves in Stücken wie Dùisgidh e Fhathast na Doimhneachdan aber auch hoffnungsvollere Momente. So fühlt sich das Spiel zwar nach Horror an, ohne sich jedoch auf Klischees auszuruhen.
Etwas Neues aus Altem zu schaffen, war auch die Idee hinter Tomb Raider (2013). Der insgesamt zehnte Teil der Reihe war insofern ein Wendepunkt, als hier neben Rätseln und Abenteuern zum ersten Mal die persönliche Entwicklung von Hauptfigur Lara Croft im Vordergrund stand. Die erzählerische Tiefe und emotionale Vielfalt der Geschichte wurde von vielen Fans und Kritikern gelobt und findet sich in Jason Graves’ Soundtrack wieder. Der ist brachial und sanft, furchteinflößend und hoffnungsspendend, herzzerreißend und triumphal. So wird die Reise von Lara Croft in all ihren Facetten begleitet.
Kein einzelnes Schicksal, sondern die Geschicke ganzer Länder beschäftigen uns in Europa Universalis IV: Wir führen ein Land vom europäischen Mittelalter bis in die Zeit des Barock, es geht um Politik, Wirtschaft, Kriegsführung und Religion. Dabei achtet das Spiel darauf, historisch so korrekt wie möglich zu sein. Das überträgt sich auch auf Andreas Waldetofts Soundtrack. Während jeder Epoche im Spiel sind zeitlich passende Musikstile zu hören, von mittelalterlichem gregorianischem Gesang bis hin zu barocken Klängen. Hier dient die Musik dazu, das historische Erlebnis authentischer und fühlbarer zu machen.
Video Game Music als eigenes Genre bekommt in den letzten Jahren immer mehr Aufmerksamkeit. Sogar bei den „Grammys“ gibt es dafür seit 2023 eine eigene Kategorie. Mit diesem Erfolg geht auch das Interesse vieler junger Menschen an Orchestermusik einher. Davon kann sogar die Klassikwelt profitieren: Wer mit Pokémon einsteigt, findet sich am Ende vielleicht bei Tschaikowsky wieder.
David Boos
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